i 5 migliori episodi della serie Netflix SF

Stagione 3 di Amore, morte e robot avrà rassicurato gli innumerevoli delusi dalla stagione 2. Ma se queste due ultime esplosioni di cortometraggi sottolineano l’irregolarità della serie, questa ci avrà comunque offerto dei bei momenti.

Questa è l’essenza della sua natura antologica: c’è cibo e bevande, ma non siamo immuni a cadere su una pepita. E pepite, ce ne sono alcune in questa produzione di Tim Miller e David Fincher. Dimentichiamo quindi le dimostrazioni tecniche senz’anima per concentrarci sui migliori episodi di Amore, morte e robota volte poetico, a volte spettacolare, a volte spaventoso e persino a volte piuttosto commovente, in un piccolo elenco non esaustivo.

Cartellino blu per i pochi piccoli spoiler

Buona caccia (S1E8)

Cosa dice? All’inizio del XX secolo in Cina^e secolo, un ragazzo si innamora di un huli jing mutaforma dopo che suo padre ha ucciso sua madre.

Perché è buono? Esci da 3D (o quasi). Benvenuti in un universo molto relativamente ispirato all’animazione tradizionale. Un logico capovolgimento estetico: tradizione e modernità sono proprio i soggetti del molto bello Buona cacciache, dopo una commedia alquanto vana (La vendetta dello yogurt), e una classica storia salvata in extremis da una rottura di tono particolarmente terrificante (dietro la colpa), sorprende tutti.

Il cortometraggio adattato da Ken Liu, sebbene sulla carta suggellata dalle sue aspirazioni mitologiche, si distingue raccontando la storia di un passaggio, un passaggio tra la magia leggendaria, ereditaria, e la più moderna magia meccanica. O l’esplorazione della vaghezza artistica tra fantasy e steampunk. Una vaghezza in cui i peggiori rappresentanti della specie umana si divertono, ossessionati dalla macchina, l’unica entità che possono sottomettersi interamente alla loro volontà… e anche ai loro desideri sessuali.

A volte creduto quando necessario, Buona caccia potrebbe facilmente cadere nella tecnofobia, un evidente difetto quando si contrappongono in questo modo i pignoni freddi e la magia tradizionale. Ma sfruttando la propria grafica per congelare un cambiamento nell’estetica piuttosto che castigare stupidamente il cosiddetto progresso, rassicura sul potere della finzione. Perché per gli autori di questo episodio, la magia è umanità. Un’idea semplice, ma sublimemente messa in scena.

angelo da battaglia

Opera di Zima (S1E14)

Cosa dice? Un artista solitario rilascia un’ultima intervista dopo un secolo.

Perché è buono? La presenza di questo episodio in questa selezione crea solo una moderata sorpresa. In linea di massima tutti sono d’accordo su questo punto: Il lavoro di Zima è LA pepita di Amore, morte e robot. Pubblicato su una piattaforma così popolare, come parte di un’antologia ampiamente promossa, funge da miglior pubblicità possibile per l’industria del cortometraggio convincendo i neofiti che è davvero possibile impegnarsi in una riflessione metafisica ed emotiva sull’arte e sulla verità in poco più di 10 minuti.

Un’opera totale, il cui stile si fonde perfettamente con il soggetto, ci conduce in una ricerca artistica che può fiorire solo nella finzione. Se i migliori episodi della serie portano dentro di sé uno scopo metaforico o un messaggio più o meno sottile, è uno dei pochi ad aprire il campo delle interpretazioni. Inno alla semplicità? Ricordi che la verità dipende solo dal nostro campo visivo? Proiezione filosofica del futuro della robotica? Estensione del lavoro di Yves Klein? Pubblicità per un pulitore per piscine?

Probabilmente (quasi) tutto ciò in una volta, ed è proprio questo che rende Il lavoro di Zima un oggetto affascinante. Il tocco finale di emozione, molto impressionante, diventa quasi irreale: la sensazione provocata è davvero umana? Paradossalmente, la serie viene spesso criticata per una certa disumanizzazione, causata dal suo tecnicismo a volte astruso. Eppure, il cortometraggio più emotivamente carico è proprio quello che ci richiede di uscire dalla nostra stessa umanità. Se solo uno dovesse essere tenuto, sarebbe questo.

Il blues di Zima

L’era glaciale (s1e16)

Cosa dice? Una coppia scopre una civiltà che vive nel loro congelatore.

Perché è buono? Non è così popolare era glaciale. Probabilmente è a causa del suo aspetto, chiaramente il più spettacolare della serie, così avanzato nel fotorealismo che, per i primi minuti, credi negli scatti reali. Il lavoro dello studio di effetti speciali Atomic Fiction è così disarmante che sembra contenere una trappola, una cinica vacuità tecnologica.

Eppure la storia che mette in scena si comporta quasi come una metafora del potere dell’animazione. Questa coppia osserva un’intera civiltà progredire, svanire e superare se stessa, al punto da entrare in contatto, mentre contempliamo, con aria smunta, seduti sul nostro divano, i miracoli che gli animatori possono ora compiere. Gli ultimi momenti di questo piccolo mondo, che proiettano mini-razzi per tutta la stanza, ricordano anche l’emergere del 3D, che permette proprio alla finzione di invitarsi un po’ di più nel soggiorno degli spettatori.

Certo, il concetto avrebbe potuto essere spinto nella stratosfera delle teorie filosofiche, ma questo non è l’obiettivo dello sceneggiatore Philip Gelatt, responsabile di gran parte degli episodi. Con questa pastiglietta tecnicamente mozzafiato, ci ricorda solo che, grazie al duro lavoro di artisti esperti, è possibile vedere – la mano destra negli slip, la mano sinistra sul cavatappi -, le evoluzioni di interi universi. Ed è ancora bello.

E poi c’è Mary Elizabeth Winstead

Il gigante annegato (S2E8)

Cosa dice? Un giorno sulla costa inglese, un gigante si riversa sulla spiaggia, attirando l’attenzione della gente del posto.

Perché è buono? Era necessario incorporare in questa selezione un episodio della stagione 2. Tuttavia, la scelta rimane affamata a parte questo cortometraggio definitivo, diretto e sceneggiato dal produttore della serie, Tim Miller. È di gran lunga il più originale, e finalmente si impone come uno dei pezzi di animazione più poetici della serie.

Ovviamente, le sue qualità derivano principalmente dal racconto da cui è tratto, scritto da JG Ballard, uno degli autori più affascinanti del XX secolo. Tuttavia, portare un tale mostro sullo schermo non è facile (ricorda Alto aumento), i due registi che sono riusciti a raccogliere la sfida essendo essi stessi due luminari (Steven Spielberg con impero del sole e David Cronenberg con Incidente). Miller se la cava molto bene, soprattutto perché sa trasporre in animazione una situazione impossibile da rappresentare con inquadrature reali.

Direzione artistica, voce fuori campo obbligatoria e fotografia grigiastra fanno il resto. Vedere il gigante morto decomporsi davanti ai nostri occhi rafforza davvero la macabra poesia di questa storia e solletica la parte morbosa della nostra umanità. Questo è esattamente il tipo di proposta che ci sarebbe piaciuto vedere di più in questa stagione 2 che dimostra, nella sua scommessa finale, di essere stata anche capace di raccontare qualcosa di forte, purché se ne dia i mezzi.

Parla con la mia mano

Brutto viaggio (S3e2)

Cosa dice? L’equipaggio di una nave che naviga in acque sinistre viene fatto a pezzi da un mostro affamato di crostacei. Per uscirne, dovrai negoziare…

Perché è buono? La serie prende in prestito molto, molto regolarmente da HP Lovecraft. Le storie cosmiche dell’autore americano sono davvero un banco di prova ideale per questi ambiziosi studi di animazione. Tuttavia, è chiaro che la maggior parte di questi tributi si accontenta di declinare la stessa formula. Trappola quella di David Fincher, prestigioso direttore di questo brutto viaggio, pura esibizione di terrore lovecraftiano.

Quello che aveva quasi messo in scena un adattamento di 20000 leghe sotto i mari scatena una creatura particolarmente agghiacciante sui poveri marinai e approfittane soprattutto per confrontarli con i limiti della propria umanità, nella rigida tradizione dello scrittore. Il personaggio principale affronta sia la mostruosità animale che quella umana. Una favola tanto più crudele quanto la scenografia e la scenografia del regista spingono al limite le manopole dell’incubo disperato.

Gioco fuori campo impressionante

Fincher non poteva che prosperare con i tecnici dei Blur, perfettamente allineati con il rigore – per non dire il perfezionismo malaticcio – che caratterizza il suo lavoro. Non solo ha visto l’opportunità di orchestrare un gioco mortale, ma si è permesso di divertirsi un po’ con l’animazione, specialmente durante un ammutinamento muscolare. Si parte con un solo desiderio: vederlo provare di nuovo l’animazione e persistere con orrore.